Umenie a móda slávne šaty v maľbe, ktoré ovplyvňujú štýl žien Monden
U týchto žien všetko, čo sa týkalo ich bohatstva, charakteru a politických/spoločenských postojov, svedčilo o tom, na koho sa pri týchto maľbách spoľahli. Či už to vedeli alebo nie, ovplyvňovali módne trendy, kritizovali pobúrenie a pomocou módy sa prezentovali svetu okolo seba. Ďalej je uvedených deväť obrazov so slávnymi šatami od obdobia renesancie po modernú dobu.
Renesančné obrazy so slávnymi šatami
Renesancia bola obdobím kultúrneho a umeleckého obrodenia, klasicizmus sa v európskych spoločnostiach stal revolučným. V tomto období však došlo aj k výrazným zmenám v móde. Zoznámte sa s tým, ako slávne šaty v obrazoch ovplyvnili módu v období renesancie.
Portrét Arnolfiniho (1434) od Jana Van Eycka
Portrét Arnolfiniho od Jana Van Eycka z roku 1434 prostredníctvom Národnej galérie v Londýne
Svadobný portrét Arnolfini od Jana Van Eycka je podstatným prvkom pri štúdiu portrétnych látok. Van Eyckova technika nenecháva nič na fantázii, pretože jeho prístup k maľovaniu látok vytvára realistický a trojrozmerný zážitok. Smaragdovo zelená v klenotníckych tónoch jej vlneného odevu a rukávy lemované hermeneutikou predstavujú stav rodín, pretože látky na obrázku vyššie si mohli dovoliť iba bohatí zákazníci.
Vlna, hodváb, zamat a kožušina boli vzácne a ich výroba bola nákladnejšia ako bavlna alebo ľan a boli symbolom stavu toho, koľko si mohol dovoliť kúpiť. Ukazuje tiež bohatstvo svojho manžela, pretože ukazuje, že si mohla dovoliť kúpiť veľa metrov látky na výrobu svojich šiat. Jednou z najdiskutovanejších otázok o maľovaní je, či je žena na obrázku (pravdepodobne manželka Arnolfiniho) tehotná alebo nie. Renesančné sukne boli také plné a ťažké, že si ženy sukne zdvihli, aby sa im dalo ľahšie pohybovať.
Pridané zmyselné záhyby jej šiat tiež odhaľujú trend v popise žien s viac zakrivenými strednými časťami, pretože počas manželstva mala nádej na počatie detí. Ďalším príkladom je Les Très Riches Heures du Duc de Berry od bratov Limbourgovcov. Na oboch obrázkoch sú ženy znázornené s guľatými bruškami. Obrázok vľavo predstavuje svadbu a je porovnateľný s portrétom Arnolfini, pretože obe ženy premietajú obraz materstva v očakávaní tehotenstva. Bez pohľadu na obraz moderným objektívom to môžeme vnímať ako záznam toho, čo ženy nosili a čo bolo dôležité, aby muži prezradili ostatným.
Barokové a rokokové obrazy
Obdobie baroka a rokoka možno charakterizovať prepracovanou, dekadentnou a hravou výzdobou. Tieto trendy sa prejavili nielen v umení, ale aj v móde prostredníctvom zložitých ozdôb a veľkorysých šiat. Prezrite si niektoré zo slávnych šiat inšpirovaných umeleckými dielami.
Elizabeth Clarke Freake (pani John Freake) a Baby Mary (1674)
Táto umelcova pozornosť zameraná na detail a zameranie na oblečenie je to, čo robí z tejto maľby dôležitý životný rekord pre puritánov v Novom Anglicku. Na tomto obrázku je Elizabeth zdobená jemnými tkaninami a americkými doplnkami z roku 1600. Jej biely čipkovaný golier naznačuje obľúbenú európsku čipku, ktorá sa nachádza medzi aristokratickými ženami. Vrch šiat je zlatá vyšívaná zamatová sukňa a rukávy zdobia stužky. Je zdobený šperkami z perlového náhrdelníka, zlatým prsteňom a granátovým náramkom. Tento obraz ponúka jedinečný pohľad na puritánsky život Alžbety a jej rodiny.
Umelec je schopný kombinovať obrazy svojho bohatstva v skromnom prostredí. Obraz jasne demonštruje Elizabethino bohatstvo, keď sa rozhodla nosiť najlepšie šaty a šperky. Odzrkadľuje to tiež bohatstvo jej manžela Johna Freaka, ktorý si mohol dovoliť tento luxus a objednať si tento i svoj vlastný portrét. Maľovanie by tiež znamenalo ich puritánsky postoj vďačnosti k Bohu, pretože bez Jeho požehnania by nemohli mať tento luxus.
Swing (1767) od Jean-Honore Fragonarda
Swing, autor: Jean-Honore Fragonard, 1767, prostredníctvom The Wallace Collection, Londýn
Hojdačka Jean-Honore Fragonardovej je príkladom rokokového štýlu vo francúzskych šľachtických kruhoch. Obraz bol súkromnou komisiou, v ktorej francúzsky dvoran požiadal Fragonarda, aby vytvoril tento obraz seba a svojej milenky. Zatiaľ čo obraz bol umiestnený za zatvorenými dverami, odhaľuje luxus, ľahkovážnosť a tajnú povahu francúzskeho kráľovského dvora.
Pastelové ružové šaty vyniknú medzi bujnou záhradou a sú ústredným bodom tohto kúsku. Fragonard maľuje šaty bezplatnými stlačeniami, ktoré napodobňujú zametané sukne a volánikový živôtik šiat. Jeho voľné štetce sa zhodujú s predmetom v tejto idylickej záhradnej scéne plnej elegantných a rozmarných obrázkov. Jediným miestom, ktoré malo všetky obmedzenia korzetov, ruchov a dámskych odevov, bol jediný spodný lem dámskej sukne. Fragonard to využil vo svoj prospech, zatiaľ čo vykreslil ženu stojacu na perfektnom mieste, aby jej priateľ mohol hľadať jej sukňu. Súkromná komisia umožnila Fragonardovi experimentovať s jeho predmetom a umožnila divákom zistiť, aký je život najbohatších ľudí na dvore.
Jeho maľba tiež ukazuje trendy stanovené na francúzskom módnom súde. Rokoko prekonalo módu, umenie a architektúru a vytvorilo niečo, čo je vo Francúzsku jedinečné. Rokoková móda zahŕňala najluxusnejšie látky vrátane hodvábov pastelovej farby, zamatov, čipiek a kvetinových vzorov. Zahŕňala tiež nadmerné množstvo mašličiek, šperkov, volánikov a ozdobných ozdôb, aby sa vytvoril otočný vzhľad. Tento štýl definoval rozdiel medzi chudobnými a bohatými, pretože aristokracia si mohla dovoliť luxus jemných látok a ozdôb. Pre ženy, ktoré nosia také rokokové ozdoby, je obraz symbolom francúzskeho kráľovského dvora pred revolúciou.
Slávne šaty v obrazoch z 19. storočia
V devätnástom storočí došlo k umeleckému prechodu od neoklasicizmu k ranému modernizmu, ktorý ustúpil štýlom a myšlienkovým smerom. V tomto storočí došlo tiež k zmenám v móde; čítajte ďalej a uvidíte, ako obrazy ovplyvnili predstavenie slávnych šiat a štýlov, ktoré boli obzvlášť modernejšie ako predtým.
Symfónia v bielej farbe č. 1: Biele dievča (1862) od Jamesa McNeilla Whistlera
Symphony in White No.1: The White Girl od Jamesa McNeilla Whistlera, 1862, prostredníctvom Národnej galérie umenia vo Washingtone D.C.
„Umenie pre umenie“ sa stalo súčasťou Symfónie v Bielej č. 1: Biele dievča, pretože James McNeill Whistler chcel, aby mal obraz mal duchovný význam. Kritici ho však tak nevideli, pretože stvárnenou ženou je Joanna Hiffernan (v tom čase jeho milenka). Ešte dôležitejšie je, že kabát, ktorý sa Whistler rozhodol namaľovať, Hiffernan uzavrel a tento odev tak vynikol medzi ostatnými obrazmi. Tento portrét bol v tom čase poburujúci kvôli Whistlerovmu zobrazeniu čisto bielych šiat žien. V osemdesiatych rokoch minulého storočia ženský odev často zahŕňal oceľovú krinolínovú sukňu, ktorá ju udržiavala na hladine. Ženy tiež nosili korzety medzi mnohými inými spodnými odevmi, aby si vytvorili širšie sukne.
Žena v bielom je presným opakom vtedajšej úctyhodnej úrovne oblečenia. Jej čajový odev je odev, ktorý by mohol vidieť iba jej manžel (alebo priateľ), pretože sa dal ľahko vyzliecť. Boli to denné šaty, ktoré sa nosili súkromne, a stali sa populárnejšími až na začiatku 20. storočia pre každodenné nosenie. Pre Whistlera mala byť jeho múza súčasťou oku lahodiacej všeobecnej scény. Zobrazil Hiffernanovú, keď ju videl, a pre divákov bol v tom okamihu obraz neprehľadný a trochu nedôstojný.
Portrét Madame X (1883) od Johna Singera Sargenta
Portrét pani X od Johna Singera Sargenta, 1883-84, prostredníctvom Metropolitného múzea umenia v New Yorku
Ktokoľvek stojí pred Madame X, je prekvapený postavou a leskom jej portrétu. John Singer Sargent vytvoril obraz ženy, ktorá sa, hoci pre svoju dobu neprijateľná, stala jedným z jeho najuznávanejších a najuctievanejších obrazov. Je to portrét pani Pierre Gautreauovej, americkej krásky zmiešanej do francúzskej vysokej spoločnosti. Vytvorilo to taký škandál, že sám John Singer Sargent musel odísť z Paríža do Londýna.
Zatiaľ čo šaty podobné jej sa nosili ako kostýmy alebo na večierky, v bežnej spoločnosti sa nenosili. Existujú určité detaily, ktoré robia tieto šaty tak poburujúcimi. Jej živôtik je extrémne nasmerovaný na dolnú polovicu brucha. Ostrý výstrih do V a remienky s korálkami jej sotva zakrývajú plecia a odhaľujú, čo sa považovalo za intímne partie ženy, tak nevhodné na verejné vystavenie.
Po tom, čo Sargent v roku 1884 predstavil obraz na parížskom salóne, vyvolal medzi kritikmi i divákmi hnev. Spôsobilo to, že vydatá žena vo svojej triede bola kontroverzne vnímaná na verejnosti takýmto provokatívnym spôsobom. Publikum v Salóne vyzeralo, akoby mala na sebe skôr spodnú bielizeň ako skutočné šaty. Obraz bol pre Mme škodlivý. Reputácia Gautreau ako ľudu vnímala jej portrét ako odraz chlípnej osobnosti.
Spočiatku to nemal byť doslovný preklad pani. Gautreauova postava. Jej šaty a držanie tela si vybral sám Sargent a rekvizity pripomínali starorímske sochy narážajúce na Dianu, bohyňu lovu a mesiac. Toto stvorenie by ovplyvnilo obe ich dobré meno. Sargent nakoniec z portrétu odstránil svoje meno a premenoval ho na Madame X.
Slávne šaty v obrazoch 20. storočia
Umenie dvadsiateho storočia sa zameriavalo na abstrakciu a výraz, prešlo významnými zmenami s novými štýlmi a témami. To tiež viedlo k objavovaniu nových foriem a syntéz módy a umenia. Tu sú slávne šaty, ktoré sú vidieť na obrazoch v inovatívnom storočí.
Portrét Adele Bloch-Bauer I (1907), autor: Gustave Klimt
Zlaté šaty Adele Bloch-Bauerovej ukazujú, ako Gustav Klimt zobrazuje ženu nespútanú okolitým svetom. V porovnaní s inými portrétmi dám z vysokej spoločnosti svojej doby vyniká tento portrét od ostatných. Namiesto maľovania vysokej ženy relaxujúcej v záhradách alebo čítania na gaučoch, Klimt premení Adelu na svetskú postavu. Jej šaty sú víriacou postavou plnou trojuholníkov, očí, obdĺžnikov a ikonografie. Na vrstvách oblečenia nie sú žiadne stopy po priamych korzetoch alebo vrstvách. Namiesto toho je príkladom toho, že má zábrany plávať vo svojom zlatom svete. Secesia obsahuje témy o prírode a mýtické obrazy. Odkazuje tiež na bohémsku módu, ktorú Klimt nosil a používal na rôznych iných obrazoch.
Klimt často maľoval modely, ktoré vytvorila módna návrhárka Emilie Flöge. Nie je vo svete módy tak známa ako jej súčasníci alebo predchodcovia, ale podnikla rázne kroky pri tvorbe módy pre ženy svojej doby. Niekedy to bolo spoločné úsilie, pretože Klimt použil svoje slávne šaty na mnohých svojich ďalších obrazoch. Flögeove šaty majú široké siluety a široké rukávy, ktoré neobsahujú korzety ani iné obmedzujúce oblečenie. Diela Klimta aj Flögeho napredovali v bohémskom spôsobe života s nejasnými hranicami medzi tradičným a nekonvenčným, ako je vidieť na portréte Adele Bloch-Bauerovej.
Two Fridas (1939) od Fridy Kahlo
Dve Fridky, autorka Frida Kahlo, 1939, v Museo de Arte Moderno, Mexico City, prostredníctvom umenia a kultúry Google
Mexické farebné a ručne tkané textílie sú spojené s odkazom Fridy Kahlo. Tieto odevy prijala ako súčasť svojho dedičstva a je videná na sebe na niekoľkých autoportrétoch a fotografiách. Slávne šaty Fridy Kahlo predstavené v snímke The Two Fridas symbolizujú jej väzby na obe strany jej európskeho a mexického dedičstva.
Frida vľavo odráža jej výchovu v rodine strednej triedy. Jej otec bol pôvodom z Nemecka a jej detský domáci život obsahoval západné zvyky. Biela čipka jej šiat symbolizuje populárny štýl v európskej móde. Táto westernizovaná verzia kontrastuje s tou pravou túžbou Fridiny objať svoje mexické dedičstvo tradičnými šatami z Tehuany. Toto oblečenie povzbudzuje jej manžel Diego Rivera, najmä v boji za zmenu v ich krajine. Prejavila svoju hrdosť na nosenie domorodého a tradičného mexického odevu.
Kahloin odev je dôležitým aspektom jej života a práce. Po detskej obrne mala jednu nohu kratšiu ako druhú. Jej farebné sukne sa pre ňu stali prostriedkom, ako skryť nohu spôsobom, ktorý ju chránil pred kontrolou. V jej šatníku boli šaty z Tehuany, blúzky huipil, reboza, kvetované slúchadlá a starožitné šperky. Tieto odevy je potrebné pamätať pri pohľade na Kahloinu prácu, pretože sú ilustráciou lásky, bolesti a utrpenia, ktoré stelesňuje v jej práci.